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Lower Dens, Nootropics, Ribbon Music, 2011

Yann — 2012-05-12T21:51:30Z

Depuis disons la fin des années 90, l'enfilade de groupes stéréotypés type Arctic Monkeys (ou bien pire : le vomitif Muse !) sortant de l'"usine pop", largement promus en France par les Inrockuptibles (fumiers !), m'a laissé complètement indifférent, et c'est un euphémisme. C'est d'ailleurs l'époque où je remisais mes disques de Joy Division pour m'envoler vers d'autres horizons : post rock, musique improvisée, électronique, électro-acoustique, puis le hip hop, le dubstep… Mais voici qu'arrive Lower Dens…

C'est mon ami peintre Clément Borre qui a attiré mon attention sur Lower Dens. Je vais sur Youtube, je tape "Lower Dens", je clique sur l'image que je trouve la plus jolie, et là je suis séduit. Il s'agit du très beau clip (voir plus bas) du titre "Brains" du deuxième album du groupe, Nootropics (sur Ribbon Music, où le polymorphe Black Dice a récemment été signé). A l'image c'est l'ancienne employée d'une boutique de pizzas à emporter, Jana Hunter — son côté garçonne est évident : j'ai d'abord cru avoir affaire à un chanteur androgyne —, chanteuse et fondatrice du groupe, qui a précédemment monté d'autres groupes plus ou moins éphémères, et fait une brève carrière solo le temps d'un album, et collaboré entre autres avec Devendra Banahrt. A l'écoute de la playlist sur Youtube me viennent des références comme Tuxedomoon, Galaxie 500, Loop, Shoegazer, bref le meilleur de l'âge d'or de la pop et du shoegazing, et j'ai la même sensation de fraîcheur qu'à l'époque où je découvris New Wave de The Auteurs ou If You're Feeling Sinister de Belle and Sebastian. Des guitares souvent très ambient (on est parfois pas loin de Bowery Electric, à noter que le groupe fait fabriquer des pédales d'effets par un ingénieur de la NASA passionné de musique), une douce voix sans effets cabotins, des mélodies qui emportent la conviction, des claviers analogiques, juste ce qu'il faut d'electro… Bref, je pense sincèrement que Lower Dens n'est pas "un groupe de plus" dans le paysage pop, mais un groupe avec de vrais partis pris artistiques, élégant à souhait, à la fois désuet et très actuel, en un mot : indémodable.

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Johnny Dowd : No Regrets

Pandabold — 2012-05-10T06:34:13Z

Consacrer un album complet aux femmes que l'on a fréquentées peut, de prime abord, paraître quelque peu prétentieux. Surtout lorsqu'un rapide auto-bilan permettrait à beaucoup de ne pouvoir envisager, à la rigueur, qu'un simple deux-titres. Or, nous avons affaire ici à Johnny Dowd, et rien ne saurait être si simpliste.

Car No Regrets n'a rien d'un tableau de chasse. C'est un hommage d'amour, composé de 13 chansons dédiées à 15 femmes que le sexagénaire, originaire du Texas et basé aujourd'hui à Ithaca, a connues, imaginées ou vues à la télévision. Et lorsqu'on sait l'humour dont le bonhomme est capable, on ne peut qu'y plonger tête baissée. À l'image de Betty, où Johnny Dowd tente de récupérer sa veste de football auprès d'un amour de lycée. Et tout commence plutôt mal : “devine qui c'est… non… non… c'est Johnny… Johnny Dowd”. Puis l'échange continue, ponctué de “non, Betty, s'il-te-plait, ne raccroche pas”. Johnny tente même d'être arrangeant “je sais où tu habites, je peux passer la prendre si tu veux” avant de devenir vraiment flippant “je sais où tu habites… et je sais où tes enfants vont à l'école… et je sais où ton mari travaille”. Johnny, un ex qui vous veut du bien.

No Regrets renferme donc 13 histoires, 13 nouvelles dansantes et mécaniques, joyeusement bancales, regroupées à la manière d'un Short Cut de Robert Altman, qui évoquent parfois un duo improbable entre John Fante et The Residents. Après le blues aux bottes pleines de sable de Wake up the Snake (2010, Munich Records), et l'axe plus expérimental du non moins fameux More or Less (2010, Zlaxyi Records), Johnny Dowd prouve une fois encore avec No Regrets (2012, Mother Jinx Records) que son univers, toujours emprunt d'une poésie de l'ordinaire, ne peux se définir qu'en le vivant.

À noter enfin que sur la pochette, nous trouvons les dessins du néerlandais Rik Van Iersel, membre du collectif Beukorkest, dont il parait plus qu'indispensable de découvrir l'excellent travail, si ce n'est déjà fait.

No Regrets (2012) de Johnny Dowd, sorti sur le label Mother Jinx Records. Site : www.johnnydowd.com. Vidéo : Louk Voncken.

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Le Narcisse Noir

sabrdage — 2012-04-26T12:12:37Z

Black Narcissus est un film britannique réalisé par Michael Powell et Emeric Pressburge en 1946. Il est produit par leur propre studio indépendant (the Archers).

Un Ordre de Marie, composé de cinq soeurs aux caractères supposément complémentaires est envoyé à Mopu au Népal, afin de s'installer dans l'ancien harem d'un opulent général indien qui veut le transformer en dispensaire. Leur tache ne sera pas facile et mettra à rude épreuve leurs saintes convictions, pour le plus grand plaisir des spectateurs !

Beloved Classic

Il n'est pas difficile de comprendre pourquoi ce film est un classique du cinéma britannique. Déjà on peut dire qu'il allie la perfection formelle des deux films exotiques de Fritz Lang (le Tigre du Bengale/ Le Tombeau hindou) à la truculence d'un cinéma populaire "de genre" qui poserait les rails pour des outrances italiennes à la Mario Bava (cette impression ne sera pas démentie par leurs productions futures, particulièrement les Chaussons rouges ou le Voyeur).

Un Chef d'Oeuvre Pictural

Cette beauté éclatante vient d'un désir de maitrise absolue de chaque plan, avec un remarquable travail sur la lumière. D'ailleurs le spectateur ne mettra pas longtemps à comprendre que tout est factice (décors peints, faux indiens grimés, bref l'Himalaya dans un studio en Angleterre !). Elle est aussi le fruit d'un brillant travail d'équipe (sine qua non), c'est donc l'occasion de louer comme il se doit Walter Percy Day, spécialiste des trucages photographiques (qui réalisa ces impressionnantes peintures sur verre), et Alfred Junge, le chef décorateur qui participa aussi aux peintures des décors.

Yin vs Yang

L'irrésistible puissance du film découle sans doute d'un système dualiste (qui pourrait enchanter Lao Tseu) qui irrigue toutes les facettes de l'histoire. Ainsi s'oppose avec panache le trivial et le spirituel, le renoncement et l'activisme, le désir et l'abstinence, l'homme et la femme, la nature et la culture, le passé et le présent... le film lui même n'échappe pas à ce traitement avec son alternance de plans classiques et de quelques plans obliques stylisés qui seront surexploités dans le cinéma asiatique.

On pourra aussi mentionner des splendides et radicales ruptures expressionnistes (avec la magie du Technicolor) souvent magnifiés par une partition sonore mémorable.

Cet étalon vigoureux du cinéma anglais est donc atypique, plein de lumineuses expérimentations tout en restant accessible. Son rythme est irréprochable, mais le voilà soudain qui se cabre bruyamment et qui disparaît au galop (giallo ?)... jusqu'au prochain visionnage...

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Da Mind of Traxman

DrNoze — 2012-04-20T12:56:20Z

Cornelius Ferguson, alias Traxman (ou Corky Strong) est un vieux de la vieille sur la scène dance chicagoan, naguère vétéran de la Ghetto House, le producteur et DJ est devenu naturellement, aux côtés de ses complices DJ Spinn et DJ Rashad, un incontournable de la Juke et du Footwork. Ça fait plus de vingt ans que le virtuose des platines a fait ses preuves sur les dancefloors. Dans les 90's il est à l'origine du collectif Geto DJz et a sorti des tracks chez Dance Mania records. Aujourd'hui il en sort sur Ghettophiles ou PLanet Mu, fait parti des Ghetto Teknitianz de Spinn et Rashad et sortira probablement du son sur leur futur label Lit City Trax.

Mais surtout il inspire et donne le ton sur la scène Footwork avec ses tracks aux influences riches et variées.

Traxman - Itz Crack

Le DJ cite volontiers comme source d'inspiration des artistes aussi hétéroclites que Kraftwerk, les Temptations, Miles Davis, Led Zeppelin, Tito Puente, Sun Ra ou Depeche Mode. Et on retrouve effectivement tout ce petit monde dans sa musique et dans la diversité de ses prods.

On le voyait en 2010 dans le très court documentaire de NPR parler avec amour de ses vinyles et de la façon dont il utilisait les samples et les boucles pour donner de la Soul à ses tracks. Il est amusant de retrouver dans Itz Crack les samples de jazz que le producteur nous avait alors présentés pour illustrer son travail.

L'album Da Mind of Traxman, accompagné de sa superbe pochette psychédélique qui nous rappelle les longs albums Jazz Rock des années 70, vient de sortir chez Planet Mu et expose sur ses 18 titres la diversité des influences du DJ. Ses tracks sentent bon la Soul, le funk et le Jazz mais peuvent également s'ouvrir à une énergie Rock ou Hip-Hop tout en s'alignant toujours dans la pure tradition House de Chicago. En témoigne le titre 1988, vibrant hommage à l'Acid House et à la TB-303.

On sent ces temps-ci que le Footwork arrive à un stade où il cherche à sortir des gymnases. Cette musique qui fut un temps uniquement rythmique et fonctionnelle, véritable machine à faire bouger ses jambes, parfois difficilement écoutable en dehors des battles, semble prendre des inflexions plus harmonieuses. Elle tente, en re-visitant son patrimoine (Jazz, Soul, Rock, House, Hip-Hop) de séduire un auditoire plus large, notamment avec le travail de gens comme DJ Spinn, DJ Rashad, DJ Diamond ou Traxman. Le Footwork essaye ainsi de s'immiscer dans les salons pour chatouiller les oreilles de l'auditeur en canapé, tente de s'accorder sur les pas du mélomane pédestre pour s'infiltrer dans les playlists de son iPod ou encore s'invite dans les auto-radios pour imposer sur la route ses grooves complexes mais lancinants tout en sub basses et high snares.

Avec ses influences diverses et son parfum soul cet album pourrait peut-être toucher enfin un plus large public que les autres productions du genre et l'aider à sortir de son ghetto.

Traxman - Chilllll

Traxman - Lifeeeee Is For Ever

Pour finir :

Mais pour mieux comprendre le bonhomme et sa musique il faut nous rappeler que si Traxman est un producteur fin et complexe, il est aussi et surtout un DJ qui manie les vinyles avec un certain talent. Pour vous en convaincre allez donc jeter un oeil sur les mixes qui trainent un peu partout, et notamment par ici. Régalez-vous de la vidéo que je vous colle ci-dessous où Traxman nous envoie un mix de Ghetto House bardé de scratches et tout simplement FOU.

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Tino Corp.

Yann — 2012-04-19T21:24:12Z

Pas de long discours. Juste un clip étonnant de Jack Dangers sur une musique fort agréable. "Pour le plaisiiiiiir", comme le chantait Herbert Léonard. Merci à Thierry Weyd d'avoir attiré mon attention sur cette oeuvre audiovisuelle.

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Jean-Baptiste Thoret - À quoi pense le cinéma américain ...

DrNoze — 2012-04-05T18:08:35Z

De Body Snatchers à Matrix, en passant par The Parallax View, Jean-Baptiste Thoret a chaussé les lunettes du John Nada de Invasion Los Angeles pour retrouver dans le cinéma américain les idées de Jean Baudrillard.

“Le cinéma américain a trouvé dans la pensée de Baudrillard de quoi penser la nature du Système, d'anticiper ses mutations, et d'envisager le type d'action qu'on pouvait lui opposer, utilisant ainsi ses écrits comme autant d'armes théoriques et dissidentes.”

Pour plus de détails, regardez la stimulante conférence qu'il a donnée le 30 Avril 2010 dans le cadre des Cours de cinéma organisés par le Forum des images.

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Jeru The Damaja - The Sun Rises In The East

DrNoze — 2012-03-31T14:37:53Z

Jeru The Damaja (Kendrick Jeru Davis) est un rappeur originaire du East New York, pas suffisamment connu du grand public et trop oublié par les jeunes générations, c'est pourtant un incontournable de la scène hip-hop new-yorkaise des 90's.

Après avoir démarré sa carrière dans les block parties il apparait pour la première fois en 1992 aux côtés de Guru et Lil' Dap sur I'm The Man, un titre en plusieurs parties censé présenter aux mondes les deux poulains de Gang Starr. Jeru clot le morceau et impressionne alors tout le monde sur cette track où il atomise, en quelques strophes sans chichi, ses deux compères. DJ Premier se fend d'ailleurs pour soutenir sa partie d'une instru de haut niveau à la contrebasse claquante qui pousse littéralement le flow du rappeur.

Thelonious Monk du flow, Jeru possède un timbre et un style vraiment à part, immédiatement reconnaissable et tout en légers décalages et contretemps mais qui retombe toujours comme une massue sur le beat, avec une précision de métronome.

Your nine spray, my mind spray

L'année suivante il sort son premier single Come Clean qui devient instantanément un classique.

DJ Premier offre encore une fois au rappeur un beat d'exeption, peut-être même une de ses meilleures prods. Sobre et grinçant, possédant des accents jazz légèrement free et un groove incroyable, le beat de Primo, basé sur une boucle tirée de Infinity, du batteur Shelly Manne, est intemporel et porte à la perfection le flow magistral de Jeru. La façon dont les syllabes swinguent entre elles et jouent avec la rythmique est tout simplement extraordinaire.

Il s'agit du tube ultime du rappeur et c'est sans doute le parangon du hip-hop east coast.

It's A classic.

Jeru The Damaja - Come Clean

You wanna front what ?
Jump up and get bucked
If you're feeling lucky duck
Then press your luck

You Can't Stop The Prophet

Encouragé par le succés de Come Clean, Jeru sort en 1994 son premier album, qui restera de l'avis général son meilleur à ce jour. The Sun Rises In The East, entièrement produit par DJ Premier est une bombe qui, à sa sortie, n'a pu laisser indemne aucun fan de hip-hop east coast tant l'essence du genre y est portée au top niveau.

Affublée d'un World Trade Center en feu et d'un Jeru encapuchonné les deux poings serrés prêt à en découdre, la pochette annonce la couleur. On peut voir dans la signification du titre The Sun Rises in the East un message politique ou spirituel, mais on peut y trouver aussi l'apologie du hip-hop de la côte est et sa suprématie face au gangsta rap de la côte ouest qui cartonnait à l'époque. Ainsi même si cela n'est pas clairement dit dans l'album, les prêches moralistes et afro centristes appelant au respect et à la solidarité, sembleraient être directement adressés au matérialisme funky et sexiste des rappeurs californiens (voir l'excellente analyse de Fake for Real).

Mais, encore une fois, plus que le sens de ses paroles, c'est véritablement le flow, la façon dont Jeru fait swinguer les mots et les syllabes, qui fera le sel de ses morceaux.

DJ Premier, toujours aux manettes, s'est éclaté sur cet album et livre ici certaines de ses meilleures prods, peut-être aussi les plus personnelles. Toujours soucieux d'être au plus près du style des rappeurs avec lesquels il collabore, il confectionne ses beats comme des écrins dont le rôle est de mettre valeur et de porter le flow du rappeur. Ici on sent bien que le style de Jeru l'a véritablement inspiré et lui a permis de passer un cap que, peut-être le classicisme de Guru ne lui permettait alors pas de franchir.

Afin de coller au mieux avec le flow si particulier de Jeru, il n'a pas hésité, sans perdre de son efficacité chirurgicale, à sortir des instrus plus étranges et dissonantes, presque bancales et tendant un peu plus vers le free que les prods jazzy cool qu'il produisait pour Gang Starr à cette époque.

En témoigne, en dehors de l'indétrônable Come Clean repris dans l'album, les deux pépites D. Original et You Can't Stop The Prophet :

Jeru The Damaja - D. Original

Jeru The Damaja - You Can't Stop The Prophet

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Mathieu Triclot - Jeux vidéo : F5/F9

DrNoze — 2012-03-29T22:40:58Z

Le 3 mars 2012, Mathieu Triclot, philosophe et auteur de l'excellent livre Philosophie des jeux vidéo, que j'ai tenté de vous présenter ici, à donné une conférence intitulée Jeux vidéo : F5/F9 au centre Pompidou dans le cadre de JeuX, un cycle de conférences en six parties proposé par Élie During.

Une conférence vraiment très intéressante qui n'oublie pas d'être aussi amusante, car après tout on y parle du jeu.

Ci-dessous la présentation de la conférence par le Centre Pompidou :

"F5 pour enregistrer une partie, F9 pour revenir au point de sauvegarde. La combinaison F5/F9 dissimule l'un des plaisirs les plus puissants des jeux vidéo : la possibilité de revenir en arrière, de recommencer une séquence jusqu'à la perfection. Un plaisir que l'on aurait bien de la peine à éprouver avec un livre ou avec un film, un plaisir qui tient à la nature informatique du médium. Mais comment approcher les plaisirs du jeu vidéo ? Comment « mettre en théorie » les jeux sans escamoter aussitôt leur dimension ludique, sans les présenter comme étant « toujours plus que de simple jeux » ? Ce tour de passe-passe nous renvoie à la nécessité de considérer le jeu comme un état, une expérience, plutôt que comme une collection d'objets ou un ensemble de règles.

Mathieu Triclot est maître de conférences en philosophie à l'Université de Technologie de Belfort-Montbéliard. Ses recherches portent sur la cybernétique et l'histoire du concept d'information. Il est l'auteur de Philosophie des jeux vidéo, Zones, 2010."

Jeux vidéo : F5/F9

Voir la conférence en vidéo :

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I Am Alive

Pandabold — 2012-03-25T14:55:43Z

Si, depuis plusieurs années, le monde du jeu-vidéo semblait avoir sacrifié le survival sur l'autel du marketing pour ne le réduire qu'à des hordes de zombies et des munitions illimités, on peut saluer la sortie de I Am Alive qui ravivera peut-être le genre, à sa manière.

Un an après le Choc, qui semble avoir décimé une grande partie du pays, Adam arrive enfin à Haventon où il y avait laissé femme et enfant – on ne saura d'ailleurs pas vraiment pourquoi, mais la situation maritale semblait assez tendue. Enfin, bref. Exceptés quelques immeubles restés miraculeusement debout, toute la ville est détruite et ses rues, éventrées par de profonds précipices, sont envahies d'un épais nuage de poussière (qui pourrait évoquer à certains connaisseurs de bon goût le brouillard silent-hillois). Notre personnage se lance donc à la recherche de sa petite famille au milieu des gravats, en croisant sur son chemin quelques survivants, amicaux, apeurés ou meurtriers.

I Am Alive campe un décor urbain varié, alternant les environnements extérieur et intérieur qui donnent lieu à des phases de gameplay différents. Dans les rues, la poussière affectera l'endurance d'Adam, l'obligeant à ménager chacun de ses gestes, surtout lorsqu'il gravira des bâtiments en quête d'air pur. Et même parvenu à surplomber ce foutu nuage, notre Alain Robert post-apocalyptique devra toujours modérer ses efforts pour ne pas regagner le plancher des vaches précocement. Si on pensait pouvoir souffler un peu dans l'espace confiné d'un métro ou d'un hôtel, c'est au contraire un tout autre danger qui y attend Adam ; celui de survivants prêts à tout pour défendre leur territoire ou se nourrir. Les munitions étant extrêmement rares, on hésitera franchement à utiliser les deux balles du chargeur contre les quatre ou cinq détraqués qui nous encerclent, en se demandant si ce qui nous attend plus loin ne sera pas pire encore. Il faudra alors savoir gruger, en tenant parfois en respect plusieurs assaillants… avec une arme vide.

La relation avec les quelques autres survivants consiste essentiellement à leur venir en aide en nous séparant de l'une de nos ressources vitales ramassées ici ou là. Mais la promesse de mettre le joueur face à un choix difficile (donner ou garder) ne fonctionne malheureusement pas. D'abord parce que ces ressources sont assez nombreuses pour sustenter tout le monde (même en mode survie) et que ces actes de solidarité ne concernent absolument jamais les munitions (voir plus haut). Ensuite parce qu'on ne donne pas vraiment, on échange, contre une tentative supplémentaire de rejouer depuis le dernier checkpoint plutôt que de recommencer le chapitre en cas de game-over. On regrettera alors que les créateurs du jeu aient été beaucoup trop mielleux sur ce point.

S'il pourra faire largement penser à une libre adaptation de SOS : Final Escape sorti en 2002 sur PS2, I Am Alive n'en reste pas moins un véritable survival, efficace et bien fourni (6 à 8 heures de jeu) pour un jeu en téléchargement. Son scénario, somme toute assez classique, laisse tout un tas de portes ouvertes vers une suite plus conséquente. Et c'est tant mieux. On l'attendra volontiers.

I Am Alive (2012) édité par Ubisoft, développé par Ubisoft Singapour. Disponible en téléchargement sur ps3, xbox360 et pc. Démo gratuite disponible.

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Us Maple (1995-2007)

sabrdage — 2012-03-13T12:28:26Z

Peu de récents groupes « rock » peuvent se targuer d' être originaux et excitants, surtout que l'étiquette art-rock fait souvent figure de repoussoir dans ce milieu où le cliché est roi. Heureusement pour nous, snobs en herbes, de temps à autres quelques olibrius retrouvent avec joie dans la pratique de leur instrument la véritable signification du mot "jouer". Un jeu qu'Us Maple livre aussi avec les postures de la culture rock, tout en y intègrant brillamment un feeling free jazz (comme le fera plus tard le trio guitares/batterie Storm and Stress).

Who's Who ?

Mark Shippy (guitare) et Al Johnson (chanteur) jouaient déjà ensemble dans le groupe punk rock Shorty, qui naviguait sans surprise dans un esprit « Jesus Lizard-esque ». Après le split de Shorty, ils rencontrent Pat Samson (batteur) et Todd Rittmann (guitariste) : ainsi naquit le groupe U.S. Maple en 1995 à Chicago, terre bénite du noise-rock.

Avant même de jouer, ces petits coquins s' étaient déjà entendu à réagencer la musique d' Elvis à leur manière, en façonnant leurs propres méthodes de composition (citons pour l'exemple ce passage du documentaire de Tony Ciarrocchi [1] où l'on découvre que Al utilise dans son carnet de parole des signes circulaires pleins ou vides, afin qu'il se rappelle comment il doit prononcer chaque syllabe).

Skingraft le défricheur

Impressionné par leurs premières élucubrations (dont une reprise d' AC/DC !), le jeune label Skin Graft [2] décide de sortir le single Stuck ainsi que leur premier album Long Hair in Three Stages.

Un vidéoclip est même réalisé pour le single, mais ne vous attendez pas à un spectacle épileptique et fashion car on a en fait droit à une parodie du clip déjà ridiculissime des australiens de Beasts of Bourbon (qui reprenaient à leur compte "Cool Fire").

Le radical Sang Phat Editor

Si ce premier album produit par Jim O' Rourke ne manque pas de qualité et d' ingénuité, bien que se plaçant avec un peu trop d' évidence dans le sillon des groupes indie post Sonic Youth, c' est plutôt avec leur second opus Sang Phat Editor que le groupe va définitivement larguer les amarres en imposant sans complexe son impayable personnalité retorse.

Voilà pourquoi à la première écoute le pauvre auditeur non averti pourrait conclure à un parfait foutage de gueule tant ce qu' on y entend parait déconstruit et auto-référencé : on est en effet précipité au coeur d' une fièvre chaotique proche de l'implosion où des guitares rebelles, en l'absence de basse et de rythmes « carrés » crépitent, patinent, bouillonnent...

Paradoxalement on est aussi frappé par la retenue, l'élégance et la sensibilité de l'exécution (doit-on ajouter que le distingué Todd a l'habitude de jouer en public avec un superbe foulard autour du coup...). Cette longue jam punk ésotérique qui laisserait jaillir discrètement des bribes de mélodies en forme de clins d' oeil à l'histoire du pop rock est pourtant le fruit d' un long travail de composition (écoutez les lives pour vous en convaincre !).

Leurs turpitudes qui rappelleront sans doute aux vieux briscards les dézingages blues du Capitaine Beefheart, voir les sauvages happenings des New yorkais de Mars ou de DNA, évoquent aussi les guitares entrelacées des plus contemporains Polvo...

L'apport du jeu de Pat, riche en respirations et nourrit de buzz roll jazzifiants est incontestable, aussi déterminant que fut celui de Tony Williams sur le mythique Out to Lunch !.

Les paroles psychédéliques (dans une tradition poético-hermétique toute beatlesienne) de Al, fréquemment ponctuées de « yeahhh » lascifs, ajoutent en étrangeté mais révèlent aussi l'humour particulier du groupe.

On relèreva aussi que la cover art camouflage fluo est réalisée par Walter Weasel, le capitaine en chef du combo grind progressif The Flying Luttenbachers.

Le sombre Talker

Cédant aux avances du discret mais influent Jim O' Rourke, le groupe quitte Skingraft pour Dragcity et enregistre en 1999 Talker avec Michael Gira le leader des Swans (vous savez, cet implacable groupe punk indus qui séduit sûrement ses fans par son absence total de second degré).

Et ce Talker est une franche réussite, moins brut que son prédécesseur mais tout aussi mystérieux, voire inquiétant, sans doute l'influence démoniaque de Gira qui déteindra jusque dans la noire pochette de l'album...

Bien fait/ Mal fait ?

Deux albums, directement dans la lignée des précédants, se succèderont mais l'effet de surprise estompé ainsi que l'inévitable « professionnalisation » du groupe les rendra plus dispensables : « Acre Thrills » et enfin « Purple on Time », où Pat est remplacé par Adam Vida.

On trouvera sur ce dernier une très belle reprise de Bob Dylan « Lay Lady Lay » qui concluera magnifiquement cette histoire.

[1] Ce précieux documentaire de Hardeye Films nous montre l'intimité d' un groupe confiant et studieux durant l'enregistrement de Acre Thrills. On peut y observer le processus de composition d' un album ainsi qu' entendre les membres du groupe s' expliquer sur la manière dont ils travaillent.

[2] Un dessinateur de comics éclairé et amamteur de noise rock crée ce label en 1991 rien que pour promouvoir les fantastiques Dazzling Killmen. Avec Melt Banana, les Ruins et Arab on Radar, Skin Graft Records deviendra vite le label phare d' un avant rock que certains nommeront « now wave » en référence au mouvement new yorkais de 1980. Les mauvaises langues déploreront la moindre qualité des récentes signatures dont les formations semblent grossièrement plagier leurs prestigieux aînés.

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